Оним из култрурных завоеваний японских горожан в момент перехода от средневековья к новому времени было освоение заимствованного в дзенских моностырях и по-своему осмысленного ритуала чайной церемонии. Чаевитие было широко распространенной формой общения между людьми в разных соц. сферах. Дзенские монахи уже в XII в. при длительных и ночных медитациях практиковали храмовое чаепитие, для кот. существовал определенный ритуал. В XIV в. широко распространенным в Японии развлечением были чайные соревнования, во время кот. чай разных сортов подавался участникам, а они должны были узнать сорт чая и место, где он был выращен. Чайные соревнования, устраивавшиеся сегуном и крупными феодалами, были наиболее пышными. Они проводились в порадных покоях усадеб и превращались в торжественную церемонию. При сегунах Асикага многолюдные чайные состязания постепенно превращались в чайную церемонию для узкого круга лиц, которая проводилась в резеденциях феодалов и получила название «сеин-тя». Это был чинный аристократический ритуал, отличавшийся строгим этикетом и изысканностью. Оформлялся он дорогой китайской утварью и произведениями ис-ва китайских мастеров. Ко второй половине XVI в. чайным чашам и всем аксессуарам приготовления чая стало придаваться очень большое значение. Всему действу была придана строгая форма. Чаепитие превратилось в детально разработанный, философски обоснованный, намеренно усложненный ритуал. Параллельно с чайной церемонией сеин-тя развивался совсем другой тип чаепития, среди низших классов, кот. назывался «тян-но ериай». крестьяне проявляли в этот период значительную соц. активность. По всей стране вспыхивали крестьянские восстания. Совместные чаепития, ставшие формой крестьянских собраний, помогали им сплотиться для борьбы против феод. гнета. На этих встречах никто не радумывал над тем, какой сорт чая был подан или откуда он происходит. Не было споров. Все сидели в убогой комнате деревенского дома, попивая чай из тех чашек, какие случалось иметь хозяину. Чаепитие в кругах торговцев и ремесленников японских городов также первоначально не были церемонией. Это был повод для общения и форма общения. В них ценилось ощущение равенства, свободы, духовной близости и единства взглядов, а также простота и непринужденность обстановки. Из этих разнородных и разнохарактерных элементов постепенно сформировалась чайная церемония, ставшая одной из важнейших составных частей единого комплекса японской традиционной культуры. Начало этого процесса связано с именем монаха Мураты Дзюко(1422-1502). Дзюко ощущал близость к народу, свою связь с крестьянами. Он нашел в их чаепитиях тя-но ериай тип простой красоты, кот. не было в чайных церемониях сеин-тя. Взяв сельское чаепитие за основу, он начал разрабатывать новый вид церемонии, свободной от излишней красивости и усложненности. Это было началом чайной церемонии ваби-тя (простая, уединенная). Дзюко предпочитал церемонии в скромных небольших помещениях (4 с половиной татами). Эту линию формирования чайной церемонии продолжил Сэн Рикю, считающийся самым знаменитым из всез мастеров церемонии. Рикю уменьшил размер тясицу до 3 и даже 2 татами, свел к минимуму украшения в помещении и число принадлежностей, используемых в церемонии, сделал более простым и строгим весь характер ритуала. Нидзиригути (отверстие для вползания) было около 60 на 66 см. Для того, чтобы подчеркнуть превосходство духовного начала над материальным. Рикю продолжил и завершил курс Мурата Дзюко на упрощение и отход китайских стандартов в эстетике и оформлении чайной церемонии. Вместо дорогих китайских чайных принадлежностей, стали использовать простые вещи из бамбука и керамики, изготовленные в Японии. Такой поворот к простоте расширил круг любителей чайной церемонии. Для украшения стали использовать свитки с японской живописью и поэзией. Рикю ввел в обиход небольшие простые композиции из веток и цветов, постарался наполнить их внутренним содержанием и сделал обязательным атрибутом чайной церемонии, назвав «тябана». Это послужило толчком к развитию и-ва икэбаны. Духовная нагрузка чаепития определялась требованиями церемониала и этикета. Предписывалось непременное достижение внешней гармонии в обстановке и поведении участников чаепития, кот должна быть отражением внутренней. Этикет определял желательные темы беседы: и-во, красота окружающего, поэзия. (Чайная церемония в японском садике в Ботаническом саду )

Источником большинства художественных замыслов произведений искусства и литературы являлась глубокая любовь к природе. Народ издавна чувствовал ее красоту в самых обычных, мелких, повседневных явлениях. Как свидетельствуют стихи, собранные в VIII веке в антологии «Манъесю» - древнейшем поэтическим памятником Японии,- не только цветы, птицы, луна, но и листья, проеденные червем, мох, камни, увядающие травы давали толчок богатому поэтическому воображению народа.
Такое обостренное чувство красоты природы в значительной степени вызвано своеобразной живописностью пейзажей Японских островов. Поросшие соснами холмы в солнечный день производят впечатление ярких декоративных панно живописи ямато-э. В пасмурную погоду влажный воздух окутывает поля, леса, горы тающей серебристой дымкой. Контуры предметов расплывчаты и, кажется, постепенно растворяются в серой мгле. Не случайно японские пейзажи напоминают картины монохромной живописи, написанные густой черной тушью и ее размывами на белом шелке.
Неустанные поиски художественной выразительности привели к удивительному разнообразию техники обработки материала, что составляет еще одну особенность японского декоративно - прикладного искусства.
В произведениях японского искусства издавна подчеркивалась непосредственная практическая ценность самой вещи. Простота и строгость – это главные отличительные черты прикладного искусства Японии. Японские мастера предпочитают ясные спокойные формы без всякой вычурности и надуманности.
Развивавшись на протяжении Х-ХII в, национальная школа живописи ямато-э, оказала огромное воздействие как на изобразительное, так и на декоративно-прикладное искусство последующих столетий. Художники этой школы создавали произведения на ширмах, перегородках и на раздвижных дверях во дворцах феодальной аристократии или иллюстрировали хроники тех времен и романы, написанные на длинных горизонтальных свитках и повествующие о жизни и времяпрепровождении придворной аристократии.
Плоскость и обобщенность изображения, условность и яркая красочность черт, в которой проявились декоративные качества живописи ямато-э, свойственны и прикладному искусству Японии.
Сходство художественных методов в изобразительном и декоративном искусстве выразилось, кроме того, в практике сочетания в картинах и на предметах быта изобразительного элемента с каллиграфией. Искусно написанные, словно струящиеся поверх изображения иероглифы, составляющие короткое стихотворение или часть его, вызывают у зрителя лит. ассоциации и увеличивают декоративный эффект. Любуясь предметом, японец получает наслаждение не только от его внешнего вида, но и от чтения и расшифровки скорописи, дополняющей композицию.

Каменный век (Эпоха Дземон)
Большинство ученых считают, что Японские острова были заселены человеком уже в период палеолита (40-12 тыс. до н. э.). Керамика в палеолите отсутствует, поэтому японские археологи иногда называют палеолит периодом бескерамической культуры.
Богатой и разнообразной является культура неолитической эпохи, древний период которой в Японии получил название «дземон» (VIII тыс. – первая половина I тыс. до н. э.). Среди достижений культуры дземон особое место принадлежит керамическим сосудам, которые лепились без применения гончарного круга. Форма сосудов изменялась с течением времени. Первоначально форма сосуда делалась из веток и травы, затем она обмазывалась глиной, при обжиге ветки и трава сгорали, оставляя свои следы на стенках сосудов. Позднее мастера лепили сосуд и, чтобы он не распался, обматывали его травяной веревкой. («Дземон» - «веревочный орнамент»). По мере развития культуры дземон функциональное назначение сосудов менялось, многие из них стали приобретать ритуальную символику. Сосуды среднего и позднего периода дземон уже напоминают сосуды-скульптуры. Орнаменты, нанесенные палочкой или раковиной, а также лепные узоры отражали сложную мифологическую и эстетическую концепцию мировоззрения их создателей. На данном этапе уже сложилась высокая техника худ. обработки изделия.
О сложности религиозных представлений создателей дземон свидетельствуют также догу – глиняные скульптурки. Догу-амулеты невелики по размеру. Они имеют овальную или прямоугольную форму и обязательно украшены орнаментом.

Культура начального периода древнего общества (Культура Яей)
В середине I тыс. до н. э. в этнической и культурной истории Японии происходят качественные изменения. На смену культуре дземон приходит культура яей (III в. до н. э.-III в. н. э.). Существует 2 точки зрения о появлении яеи. Одни полагают, что яеи выросла из дземон. Другие, что создателями яеи были племена, переселившиеся с территории Корейского п-ва.
Народ Хань, обитавший на континенте, уже вступил в эпоху металлов и принес ее на Японские о-ва. Япония сразу вступила в бронзовый и железный век.
Своеобразием отличается керамика яеи. Новым было использование гончарного круга. Простая, спокойная, пластическая форма и узор из прямых линий, присущие керамики яеи, не имеют ничего общего с керамикой дземон, отличающейся многообразием форм и сложностью рисунка. Сделанные с помощью гончарного круга, эти сосуды имеют шаровидную форму, симметричны. Орнаменты состоят из волнистых или прямых линий, идущих по всему сосуду. Красота формы таких сосудов заключается в их геометричности, четком силуэте, в их соответствии функциональному назначению.
Наконец, в эпоху яеи происходит переход от каменных орудий к бронзовым, а потом и к железным. Отдельные изделия сопутствуют памятникам яеи: бронзовые мечи и копья(особенно на севере Кюсю), бронзовые колокола (Кинай).
Формирование древнеяпонской народности, начавшееся, по существу, с появления на Японских о-вах носителей культуры яеи, растянулось на несколько веков (с VI-V вв. до н. э. по I-II вв. н. э.). В период яеи окончательно сложились черты того хозяйственно-культурного типа, который присущ японцам и по сию пору и в основе кот. лежит интенсивное пашенно-поливное возделывание риса с высадкой в поле предварительно выращенной на особых участках рассады. Без риса и изделий из него нельзя себе представить ни один аспект японской культуры, и развитие ее современных форм.
И еще один важнейший элемент культуры связан по происхождению с культурой яеи. Этот элемент – сам японский язык. По основным корням, по грамматике, по синтаксису японский язык имеет родственные связи с корейским Он был принесен из Кореи переселенцами, носителями культуры яеи.

Бронзовый век
Один из центров бронзовой культуры на рубеже нашей эры складывается на севере Кюсю. Тремя основными символами этой культуры являлись бронзовые широколезвийные мечи, бронзовые зеркала и амулеты-магатама. Эти три предмета до сих пор являются символами японской императорской власти. Возможно эти предметы были символами зарождающейся аристократии. Многие широколейзвийные мечи были найдены за оградой храма, возможно они приносились в качестве жертвы. Многие из найденных бронзовых зеркал имеют на обратной стороне своеобразный линейный орнамент, заключенный в опоясывающие ленты, треугольники, геометрические фигурки. Сам облик этого линейного орнамента вызывает ассоциацию с солнечными лучами. Население Северного Кюсю почитали зеркала, связывали их с культом Солнца. Для поклонения восходящему Солнцу зеркала (наряду с мечами) вывешивались на ветках деревьев.
Другой центр бронзовой культуры в Древней Японии находился в Кинаи (Центральный Хонсю). Наиболее интересным памятником этой культуры являются бронзовые наконечники стрел, браслеты и особенно колокола – дотаку. Самые ранние колокола не превышали в высоту 10 см., а самые большие, поздие достигали 1 м 20 см. Все колокола имеют овальное сечение и плоский верх. Некоторые совсем лишены декора или имеют магический орнамент в виде спиральных завитков. Большинство дотаку имеет наверху дугу, украшенную орнаментом. Нижняя часть наружной поверхности колоколов почти всегда свободна от орнаментов. Создается впечатление, что именно эта часть служила ударной поверхностью, причем били по колоколу снаружи. Загадочным является обстоятельство, что воспоминания о колоколах исчезли из народной памяти, нет упоминаний о них в японских мифах и легендах. (Большинство колоколов было найдено в специальных траншеях на верху холмов. Вероятно они имели ритуально-магическое значение для поклонения Небу или Горам. На колоколах сохранились изображения лодок, охота дом на высоких савях.)
Археологические, мифологические данные, а также свидетельства письменных источников позволяют устоновить, что в процессе взаимодействия этих двух центров бронзовой культуры интенсивно пошел процесс формирования древнеяпонского этноса, кульминационной точкой кот. стала культура железного века – культура Ямато.

Железный век (Ямато)
Важнейшим этапом в этнической истории древних японцев приходится на первую половину I тыс. н. э. В этот период завершается формирование древнеяпонского этноса. Общество страны Ямато (III – начало VIв.) стояло на пороге складывания государственности.
В IV-VI в н. э. Япония была объединена в политическом отношении в виде древнего государства Ямато.
В IV Япония вторглась на Корейский п-ов. Начинается процесс восприятия высокоразвитой континентальной культуры.
Этот процесс нашел свое отражение в предметах искусства: медные зеркала, золотые шлемы, золотые и серебряные серьги, серебряные браслеты, пояса, мечи, сосуды суэки, выполненные на основе высокоразвитой техники гончарного искусства, ввезенной с континента.

Культура общества в период системы законов Рицуре (до XII)
Внедрение буддизма. На строительство роскошных буддийских храмов, возведение великолепных статуй Будд, изготовление храмовой утвари направляются огромные средства. Развивается роскошная культура аристократов.

Керамика. Зародившись в глубокой древности, керамическое и-во Японии развивалось, однако, чрезвычайно медленно.
В VI-XI веках под воздействием гончаров Кореи японские мастера перешли к обжигу глиняных изделий с зеленовато-желтой глазурью. Примерно в это же время появляются изделия из настоящего фаянса – гигроскопической глины, покрываемой глазурью.
До XVI века керамическое производство было представлено немногочисленными печами. Грубо вылепленные сосуды выполнялись из фаянса, а чаще из т.н. «каменной массы» - твердой негигроскопической, а потому не нуждающейся в глазури глины. Лишь городок Сэто в провинции Овари производил изделия более высокого качества. Изделия покрывались зеленой, желтой и темно-коричневой глазурью и были украшены штампованным, резным и накладным орнаментом. Керамика этого центра настолько отличалась от грубой продукции других мест, что получила собственное наименование сэтомоно.
Со второй половины XVII в. начался расцвет японской керамики, обладавшей декоративными качествами, свойственными всему искусству периода изоляции страны. Начало этого расцвета связывают с творчеством Нономура Нинсэя. Он родился в провинции Тамба. Нинсэй традиционные формы народной керамики своей провинции с росписью эмалевыми красками. Он создал новый тип керамики, чисто японский по духу и образности (нинсэй-яки), использовавшийся для чайной церемонии.
Заметное влияние на развитие керамического производства Киото и других провинций оказал Огата Кэндзан. Известность его изделий принесли росписи, в котором он использовал приемы многоцветной живописи школы ямато-э и сдержанную монохромную роспись черной тушью.

Металл. С изделиями из бронзы и железа, завезенными с континента, японцы впервые познакомились на рубеже нашей эры. В последующие века, усовершенствовав методы добычи и обработки металлов, японские мастера начали изготовлять мечи, зеркала, украшения, конскую упряжь.
С началом в XII веке кровопролитных феодальных междоусобиц увеличилось количество кузнецов-оружейников, изготовлявших доспехи, мечи др. Прославленная сила и крепость японских клинков во многом обязана оружейникам того времени, передававшим своим потомкам секреты ковки и закаливания мечей.
Значительные успехи в период изоляции страны отмечались у художественной работе по металлу. Накладные металлические детали, украшавшие эфес и ножны меча, выполнялись специалистами-ювелирами, по-прежнему основное внимание уделялось изготовлению гард.

Ткачество и крашение. Успешно развивалось также ткачество и крашение. Наиболее значительным достижением в текстильном производстве этого периода было изобретение способа крашения юдзэн-дзомэ. Этот метод сделал возможным воспроизведение тонких графических рисунков на одежде и до сих пор является специфическим для Японии видом крашения.

Изделия из лака. Художественное производство изделий из лака достигло в Японии исключительного расцвета, хотя родиной техники лака является Китай.
Лак получают из сока лакового дерева. Им многократно покрывают предварительно подготовленную гладкую поверхность основы изделия из дерева, ткани, металла или бумаги.
Первые достоверные сведения о лаковом производстве в Японии как о художественном ремесле относятся к периоду расцвета придворной культуры VIII-XII веков. Тогда получило широкое распространение изготовление из лака архитектурных деталей, буддийских статуй, предметов роскоши и домашней утвари, начиная с мебели и кончая палочками для еды.
В течении последующих веков изделия из лака приобретали все большее значение в повседневном быту японского народа. Широко стали употребляться такие изделия, как посуда, шкатулки для письменных принадлежностей, туалетные коробки, подвесные коробочки на поясе, гребни и булавки, обувь, мебель.
Особенно нарядны предметы техники маки-э: рассыпанный по поверхности порошок золота или серебра закрепляют лаком с последующей шлифовкой. Пышные и цветистые вкусы того времени нашли полное воплощение в изделиях из лака, кот получили особенно значительное развитие как предметы декоративного и-ва. На озере Бива есть о-в Тикубу, где сохранился храм, представляющий собой образец использования золотого лака для отделки интерьера здания.
Богато орнаментированный лак применялся и для изготовления предметов обихода и посуды, используемых в парадных резиденциях. Среди них- всевозможные столики, подставки, шкатулки, коробки, подносы, комплекты столовой и чайной посуды, трубки, шпильки, пудреницы и пр. В этих вещах, обильно украшенных золотом и серебром, наглядно воплотился дух эпохи Момояма. (мастер по лаку Хонъами Коэцу).
Примерно до середины XVII в. главным центром развития декоративно - п прикладного искусства оставался Киото. Там начал свою карьеру Огато Корин. Он создал шедевры не только живописи, но и керамики, лаковых изделий, росписи тканей, вееров и т. д. Прославленные лаковые изделия Корина были отмечены особым единством форм и декора, плавно «перетекающего» с одной грани изделия на другую. Сочетание различных материалов создавало необычную фактуру поверхности и редкую цветовую гамму.
Среди других мастеров работы по лаку выделялся Исэ Огава Харю. В своих работах он широко использовал инкрустацию фарфором, слоновой костью, красным резным лаком, черепашьим панцирем, золотом, серебром, свинцом и др. материалами.

Декоративно-прикладное искусство конца XVI – начала XVII в. было разнохарактерным, поскольку отвечало потребностям образа жизни различных социальных слоев общества.
В декоративно-прикладном искусстве, как и в других областях культуры, находили отражение все основные идейно-эстетические течения времени.
Новые для японского искусства и культуры тенденции к показной пышности и чрезмерному украшательству, связанные с образом жизни и культурными запросами стремительно взлетевшей новой военно-феодальной верхушки и быстро разбогатевших городских слоев, ярко отразились в декоративно-прикладном искусстве.

Оружие. В жизни воинского сословия особое место занимало оружие. Главным оружием самурая был меч, в котором ценились качество клинка, и его оформление.
Изготовлением мечей занимались семьи оружейников, передававших свое мастерство из поколения в поколение. Изделия различных школ отличались пропорциями, формой лезвия и его качеством. Выдающиеся мастера писали на клинках свое имя, и их изделия до наших дней хранятся в музейных коллекциях.
Рукоять и ножны клинка украшали оружейники-ювелиры. Боевые мечи украшались довольно строго, мечи же, носившиеся с гражданским платьем, украшались очень богато.
Между клинком и рукоятью помещалась плоская гарда, обычно художественного оформления. Отделка гард стала специальной отраслью японского искусства. Интенсивное развитие этого искусства началось со второй половины XV в. Выдающимся художником, положившим начало династии мастеров, специализирующихся на украшении мечей, был самурай Гото Юдзе.
Расцвет искусства изготовления гард приходится на конец XVI- начало XVII в. Для их украшения использовали все виды обработки металла - инкрустацию, резьбу, насечку, рельеф.
На рубеже XVI-XVII вв. в украшении оружия, как и в других видах искусства, начали проявляться черты экстравагантности. Детали лошадиной упряжки и ножны для самурайских мечей в нарушение традиции стали изготовляется из покрытой яркой глазурью, керамики (Фурута Орибэ).
С распространением чая и чайных церемоний в XV-XVII веках возникла новая профессия мастеров, изготовлявших чайную утварь и в частности железные чайники, строгие и изысканные по форме, со скупым орнаментом.

Резьба по дереву. В XVII-XVIII в Японии наблюдался значительный прогресс в орнаментальной резьбе по дереву, которая достигла высокой степени совершенства. Она украшала храмовые сооружения, дворцы и резиденции сегунов, широко применялась при изготовлении мелких принадлежностей быта горожан.
Очень важную сферу применения искусства резчиков представляло собой изготовление масок для театра но и голов для кукол театра дзерури. Считается, что лучшие образцы масок для театра но были созданы в XV-XVI вв., в пору его расцвета, а маски XVII-XXVIII вв. являлись лишь подражанием старым, но подражание это было таким искусным, что они используются до сих пор и очень высоко ценятся.

Фарфор. В массе фарфоровой продукции, которая в XVII-XVIII вв. выпускалась по всей стране, различались два основных типа: дорогие, украшенные тонкой росписью изделия мастерских Кутани и Набэсимы, и выпскавшийся большими сериями фарфор Ариты и Сэто.
Изделия мастерских Кутани раннего периода имели пластичную неровную форму. Их роспись выполнялась с использованием крупных цветовых пятен и свободно располагалась на поверхности сосудов. Более поздние фарфоровые изделия Кутани приобрели сухие, шаблонные формы и декор.
Изделия Набэсимы обычно украшались изображением одиночного растительного мотива, выполненного подглазурной росписью, иногда дополненного надглазурной полихромной росписью.
Мастерские Ариты и Сэто изготовляли массовую продукцию. Эта посуда украшалась нарядными, декоративными композициями из изображения цветов, птиц, бабочек и т.д.

История

Начало использования сшитой одежды в Японии датируется приблизительно 4 веком. И мужчины, и женщины носили верхнюю одежду длиной ниже талии с прямыми узкими рукавами. Под ней мужчины носили штаны хакама, а женщины - длинную складчатую юбку мо.

Повседневная одежда, 4–6 века

Кардинальная перемена происходит в эпоху Асука (593–710): появление буддизма и влияние китайской культуры напрямую сказывается на костюме людей, связанных с императорским двором.

Придворное платье эпохи Асука

Следующее заметное изменение костюма происходит в эпоху Хэйан (794–1185). Это период расцвета придворной культуры. В это время придворная одежда разделилась на три категории: одежды для специальных церемоний, официальные одежды императорского двора и повседневная одежда. Знаменитое (или пресловутое) двенадцатислойное кимоно дзюнихитоэ - это официальный придворный костюм. Двенадцать (а у женщин императорского дома - и шестнадцать) одежд, сделанных из тонкого шелка, надевались друг на друга так, чтобы воротники, рукава и юбки нижних кимоно, выглядывая из-под верхних, образовывали гармоничные цветовые переходы. Официальный мужской костюм сокутай включает верхнюю одежду с длинным «хвостом». Повседневная одежда знати отличается меньшей многослойностью и меньшей длиной.

Придворное платье, эпохи Хэйан и Камакура, официальный и повседневный варианты Церемониальная (сокутай) и повседневная одежда придворного, эпоха Хейан

В эпохи Камакура (1185–1333) и Муромачи (1333–1568) резко возросла роль военного сословия - самураев. Официальный костюм императорского двора сохранился, и самураи, имевшие придворные должности, в официальных случаях надевали сокутай, но их обычной одеждой являлось происходящее от охотничьей одежды каригину. В целом костюм заметно упростился. Женщины самурайского сословия обычно носили подбитое ватой кимоно с относительно узкими рукавами - косодэ, не отличающееся по типу от современного традиционного кимоно. В официальных случаях поверх косодэ они надевали длинное платье учикакэ.

Одежда самурая, эпохи Камакура и Муромачи

Придворное платье, эпохи Муромачи и Адзучи-Момояма (1568–1600): косодэ и учикакэ

В эпоху Эдо (1600–1868) при дворе сёгуна мужчины военного сословия носят костюм, известный как камисимо, но повседневной одеждой и мужчин, и женщин являются косодэ и хакама, в качестве верхней одежды - короткая накидка хаори, завязываемая на уровне груди. Становится обычным оборачивать вокруг талии длинные куски ткани, женский пояс оби постепенно становится шире и декоративнее (девушки завязывают его большими бантами, а замужние женщины - плоским узлом). Сами по себе костюмы очень просты; главное их украшение - богато окрашенные ткани с изысканными узорами. Разнообразные костюмы этого периода можно увидеть в фильмах Куросавы («Семь самураев», «Телохранитель» и др.).

Придворное платье самурая (камисимо), эпохи Адзучи-Момояма и Эдо: косодэ, хакама и накидка катагин Повседневная одежда, эпоха Эдо

Одежду простолюдинов, как водится, обошли все изыски придворной моды - с эпохи хэйан она практически не менялась. Мужской костюм - кимоно длиной до середины бедра или до колена, иногда хакама или короткие штаны. Женский костюм - кимоно длиной обычно по щиколотку, часто также со штанами, начиная с эпохи эдо - широкий пояс оби. Ширина рукавов, естественно, небольшая. Головной убор - платок и /или широкая конусообразная соломенная шляпа. Для защиты от непогоды - соломенный же плащ. Все это можно увидеть в фильмах Куросавы.

В эпоху Мейдзи (1868–1912) для армии, полиции и почтовых курьеров была адаптирована форма западного образца, что стимулировало глобальные перемены в японской одежде. Кимоно все еще господствовало, однако можно было наблюдать смешение западного и восточного стилей: например, мужчины надевали хаори, хакама и шляпу западного типа; женщины, одеваясь по-японски, могли носить европейскую обувь. С приходом эпохи Сёва (1926–1989) западная одежда начинает преобладать, для служащих компаний стандартом становится деловой костюм. Женщины, сначала работающие, а затем и все прочие, также одеваются по-европейски, часто даже дома. В настоящее время кимоно надевается только по праздникам.

Кимоно Основу японского костюма, как мужского, так и женского, составляет кимоно. Что это такое, объяснять вряд ли надо. По-японски «кимоно» означает также одежду вообще.

Крой кимоно вполне линейно-прямоугольный. Традиционное кимоно шилось из примерно 9 м ткани шириной 30 см. Главные особенности кроя видны на рисунке.

Кимоно - одежда «безразмерная». Его ширина по спинке - около 60 см, на полочках может делаться припуск для запаха (в современном кимоно он есть, исторически - когда как). Длина зависит не столько от роста владельца, сколько от того, как его собираются носить, потому что кимоно всегда можно укоротить за счет складки под поясом. Мужское кимоно лучше шить примерно той длины, которой нужно, женское может быть сантиметров на 20 длиннее.

Треугольные клинья для увеличения ширины - необязательная деталь. Если они есть, то вшиваются примерно от талии.

Воротник делается из прямоугольного куска ткани и обычно доходит до пояса (под который и прячутся его края), но может доходить и до подола. То, что выглядит как фигурный вырез юбки в верхних слоях исторического многослойного кимоно - это края достаточно широкого воротника.

Крой

На схеме показан «экономичный» раскрой кимоно без треугольных клиньев в боках из ткани шириной около 110 см. Ткань разрезается по всем сплошным линиям. Внимание: к желаемой длине кимоно прибавьте припуск на подгибку низа, в остальном размеры деталей даны с припусками на швы. Горловину не надо вырезать, пока спинка не будет сшита по среднему шву. Приведенная выкройка исторична в том смысле, что спинка и полочки состоят из двух частей. Конечно, их можно сделать и цельнокроеными.

Длины рукава 54 см обычно хватает с избытком (укоротить всегда можно), для очень высокого и длиннорукого человека придется кроить их иначе. Ширина рукава около 75 см нормальна для косодэ, у некоторых разновидностей кимоно рукава могут быть значительно шире.

Шитье

Если ткань «сыпучая», обработайте зигзагом все края перед тем, как приступать к шитью.

1. Сшейте две части спинки. На получившейся детали разметьте и вырежьте горловину (вот здесь не забудьте оставить припуск на шов).

2. Пришейте передние полочки к задним по плечевым швам (от края плеча до горловины) и надставки полочек к полочкам.

3. Сложите рукава пополам (линия сгиба нарисована пунктиром) и сшейте от плеча до запястья, чтобы получились две «трубы».

4. Сшейте рукава с кимоно, совмещая середину рукава с плечевым швом. Это можно сделать тремя способами: пришить рукав по всей ширине (так иногда шились косодэ), пришить только верхнюю часть и зашить оставшуюся или пришить верхнюю часть и оставить остальное открытым (так делается чаще всего, особенно на многослойных кимоно).

5. Сшейте бока от шва втачивания рукава до низа.

6. Примерьте кимоно, выровняйте плечи и середину спинки и запахните. Загните на полочках треугольники от точки горловины до того уровня, куда должен заходить воротник. Заколите булавками и (конечно, сняв кимоно) отрежьте лишнюю ткань.

7. Сшейте три части воротника в одну длинную полосу, сложите ее вдоль пополам, сшейте, выверните и прогладьте (получится лента шириной около 5 см).

8. Пришейте воротник к кимоно, совместив середину воротника с серединой спинки (лучше шить от середины в обе стороны), - либо до низа кимоно, либо до тупых углов края запаха (как на рис. выше). Лишнюю длину воротника отрежьте.

9. Наконец, подшейте все края.

Хакама Это широкие, обычно складчатые, штаны (или - что менее известно - юбка) с разрезами от пояса до бедра. Благодаря этому хакама, как и кимоно, можно надеть и на толстого, и на худого человека. У женских хакама пояс выше - он завязывается под грудью.

Крой

Ткань шириной около 110 см кроится по указанным линиям. Как и для кимоно, к длине хакама надо прибавить несколько сантиметров на подгибку. В остальном припуски на швы включены в выкройку.

Шитье

Если ткань «сыпучая», прежде всего обработайте все края зигзагом. 1. Сшейте попарно детали передних и задних половин каждой штанины (должны получиться 4 одинаковых детали).

2. Две передних детали сшейте вместе по среднему шву от верха на 30 см (для женских хакама эта длина может быть больше, скажем, 40 см, - из-за того, что они надеваются выше), точно так же сшейте задние.

3. С внешних верхних краев каждой из получившихся деталей отогните на изнаночную сторону треугольник размером ок. 12 см сверху и 22 см сбоку, отрежьте лишнюю ткань, оставив припуск на подгибку, и подшейте. 4. Возьмите ластовицу, сложите углом к месту окончания среднего 30-сантиметрового шва передней половины хакама и пришейте двумя сторонами к левой и правой штанине. То же самое сделайте с задней половиной и оставшимися краями ластовицы.

5. Сшейте переднюю половину с задней от ластовицы до низа.

6. Теперь пора закладывать складки. Спереди их обычно от 3 до 6 с каждой стороны, направлены они к центру.

При правильно заложенных складках ширина хакама получается втрое меньше исходной ширины материала, то есть в результате расстояние от среднего шва до края должно быть около 20 см. Важно: на хакама настоящего самурая складки жестко заглажены (никаких мягких драпировок).

Сзади закладывается по одной большой складке с каждой стороны, с заходом на 2–3 см на средний шов, из-за чего задняя сторона хакама чуть уже передней.

Зашейте складки вдоль внешнего края.

7. Сшейте бока от разрезов до низа.

8. Подшейте штанины.

9. Ну и, наконец, осталось сшить и пришить пояса. Для каждого из поясов части сшиваются в одну длинную полосу, полоса складывается вдоль пополам, сшивается, выворачивается и проглаживается. Получаются две ленты шириной около 5 см, передняя должна быть более длинной. Они пришиваются к верху хакама, так чтобы середина каждого пояса совпадала со средним швом.

Как это носят

Раньше под верхнее кимоно обязательно надевали нижнее (оно называется дзюбан). Сейчас вместо него обычно надевают белый шарфик и, возможно, нижнюю юбку. Шарфик (или воротник нижнего кимоно) должен быть виден.

И мужчины, и женщины запахивают кимоно так, чтобы правая пола была снизу, а левая сверху (по европейским понятиям это называется «по-мужски»), а не иначе. Наоборот - только у главного действующего лица похоронного обряда.

Перво-наперво кимоно поднимается до нужной длины, и на талии завязывается узкий пояс «коси-химо» (он перекрещивается сзади и завязывается спереди). Затем кимоно окончательно выравнивается, разглаживаются складки и т.п., и вся конструкция фиксируется несколько более широким поясом «датэ-дзимэ». Складка, образовавшаяся при подгонке длины, может быть видна из-под оби, тогда создается иллюзия, что костюм состоит из двух частей. Собственно оби - это большущая полоса ткани (современный официальный оби имеет длину 4 м и ширину 60 см, в сложенном виде - 30), которая дважды оборачивается вокруг талии и завязывается сзади сложным бантом или узлом. Способы завязывания есть отдельное искусство. Один из относительно простых способов - двойной бант-бабочка. Если нужна не реконструкция, а стилизация костюма, можно завязать или даже сшить бант заранее и сделать на поясе потайную застежку - ведь даже хорошая ткань мнется на месте узлов, и бант, завязанный на второй-третий раз, может утратить декоративность - готовый бант сохранить красивым проще. Наконец, поверх оби надевается декоративный пояс-шнур «оби-дзимэ», его узел или застежка находятся спереди. С мужским кимоно несколько проще: его пояс более узкий (не больше 10 см) и проходит по талии или ниже живота. Складка на талии и декоративный шнур отсутствуют.

Хакама надевается поверх короткого (до середины бедра) кимоно. Оба пояса обязательно обматываются вокруг талии и завязываются спереди. Поверх может надеваться накидка хаори или длинное верхнее платье (у женщин). То и другое обычно также имеет линейный крой.

Ткани

Кимоно, особенно богатое кимоно, шьется, конечно, из натурального шелка, причем специально декорированного. Даже если иметь много денег на соответствующую ткань (а ее еще и найти надо), то портить (неизбежно) такое в лесу… Ну, бывают фанаты…

В игровом же плане прекрасно себя зарекомендовал всяческий искусственный шелк и разнообразные шторные материалы, от вуали до портьерного шелка. Главное, выбирая ткань, следить, чтобы она не слишком мялась, ибо мятое кимоно смотрится ужасно. По этой причине категорически не рекомендуется использовать подкладочную ткань - почти любая подкладочная ткань сильно мнется, а кроме того, в ней душно.

К слову сказать, юката (почему-то с этим названием иногда возникает путаница) - это всего лишь хлопчатобумажное кимоно, летнее или домашнее, которое носится без нижнего кимоно. Отличие от «настоящего» кимоно только в материале.

Вообще говоря, существуют традиции, какие цвета и узоры подходят к какому времени года или событию. Но, при всей интересности темы, к играм она малоприменима, а фанатам-знатокам и реконструкторам мы вряд ли сможем сообщить что-то новое. Основное правило: чем персонаж богаче и знатнее, тем ярче и насыщеннее цвета. Хакама не должны быть светлее, чем кимоно, с которым они носятся.

Дополнения Традиционная японская обувь - это таби, носки с отдельным большим пальцем, и гэта, сандалии с деревянной подошвой и кожаными ремешками.

Головной убор у женщин чаще всего отсутствует, зато присутствует прическа, иногда простой «хвост», иногда - нечто сложное с декоративными гребнями и заколками. Коротко стриженых блондинок спасти может разве что парик. У мужчин-придворных в эпохи Хэйан и Камакура встречается высокая шапка. Для самураев обязательна соответствующая прическа, возможна повязка типа широкого хайратника или платок типа банданы.

Веер - просто необходим богатой даме, а также аристократу эпохи Хэйан и Камакура. Можно изготовить самостоятельно, но гораздо проще купить, благо, продается в любом ларьке восточных сувениров и стоит в пределах 50 руб.

сформировалось под влиянием Китая и частично Индии. Декоративный китайский стиль стал образцом для японских художников, но они создали свою, уникальную художественную систему. Надо отметить, что в древности и в Средневековье Япония практически не знала иностранных нашествий. Это позволило ей создать определенные традиции, прежде всего связанные с поэтическим отношением к окружающему пейзажу. Декоративные японские росписи тесно связаны с отношением японцев к природе, которую они рассматривали как часть единой космологической картины мира, где все взаимосвязано и иерархически упорядоченно. Японский живописец, выбирая тот или иной мотив, стремился не просто воспроизвести его визуальную достоверность (сосна, кипарис, пион, ирис), но найти способ передать связь его с чем-то более общим и значительным, как бы подсоединить к восприятию многовековые слои культурной памяти.

В Японии, как и в Китае, мотивы и элементы орнамента всегда символичны: птицы и бабочки символизируют любовные переживания, пожелания счастья, журавль (цуру) - символ удачи и процветания, долгой жизни; символами силы и мощи считается редька (дайкон), продолжения рода- апельсин, целомудрия- лотос, вишня (сакура) - символ нежности, бамбук - стойкости и мужества, символом супружеского счастья и верности считают мандаринскую уточку,сидящую на скале под деревом.

О недолговечности, изменчивости бытия напоминают опадающие весной цветы вишни, долго цветущие хризантемы вещают долголетие. В начале XVII в. символом знатного, благородного человека считался мотив цветущих пионов.

Символами времен года выступают некоторые явления природы, животные и цветы:туманная дымка, цветок вишни, дерево ивы, камелия- весна; кукушка, цикады, пион- лето; алые листья клена, хризантема, олень, луна - осень, цветы сливы в снегу - зима.

Стилизованный цветок хризантемы с шестью лепестками в виде круга являлся символом императорской власти в Японии. Он олицетворял собой солнце, озаряющее лучами Страну восходящего солнца.

Многие узоры в японском искусстве имеют названия. Например, традиционный узор «сей-гай-ха» -волна голубого океана. Узор в виде пчелиных сот называется кикко (черепаший панцирь), символизирует добрую судьбу. Круглые хризантемы образуют узор маругику, он часто использовался на тканях для кимоно. На узоре фукура-судзуме изображались воробьи, на узоре хиси-мон изображались стилизованные орехи водяного каштана (хиси). Единственным элементом узора уро-ко-мон был равнобедренный треугольник; из сотен таких треугольников составлялись пирамиды разной величины.

В декоре японских произведений искусства доминируют сюжетные и символические композиции. Геометрических орнаментов сравнительно мало. Зато растительные, пейзажные и анималистические темы занимают центральное место в росписях произведений Японии.

Ветки деревьев, травки, цветочки, пернатые драконы, фантастические чудовища и змеи, бабочки и другие насекомые – главные сюжеты в росписях фарфоровой посуды, лаковых изделий, тканей.

Необычная орнаментация значительно отличает изделия японских мастеров от изделий остальных народов. Для японского стиля характерна нарочитая асимметричность в декоре, свободное соотношение художественной отделки и формы, не соподчинение, а наоборот, их контрастное сопоставление, отсутствие перспективы в изображении, значимость материала. В произведениях всегда присутствует строгая логика и целесообразность, гармония, основанная на равновесии цветовых сочетаний, точном соответствии пустого и заполненного пространства.

Каждый узор должен иметь хороший смысл и благоприятное лексическое выражение. Японцы верят в магию слова — котодама. Они и сейчас считают, что слово может навлечь беду или, наоборот, принести удачу. Орнаменты, связанные со словами развивающими действие, например:’открыть’, ‘начинаться’, ‘расти’, ‘продолжаться’, ‘танцевать’ — считались хорошими, а узоры, ассоциирующиеся со словами ‘заканчиваться’, ‘падать’, ‘сжиматься’, ‘рваться’ – плохими. Но и здесь есть свои тонкости. Изображен бурный поток — значит будет буря, бедствие; поток тихий, спокойный -пожелание спокойной размеренной жизни.

Орнамент также может иметь благоприятную или неблагоприятную композицию. Если на ветке нет бутонов или перед бутоном нет свободного места, где бы мог раскрыться цветок, то это обозначает, что цветению нет будущего.

Японское искусство исторически развивалось преимущественно на почве высокоразвитой религиозной жизни, которая определялась буддизмом, синтоизмом и конфуцианством (также имели место идеи даосизма).Религия находила явное и неявное отражение в японском искусстве. Одним из действенных средств создания художественного образа было прямое включение священных текстов в ткань художественного произведения. Но чаще религиозные мотивы звучали лишь в душе мастера, привнося в его творения особую, прекрасно улавливаемую средневековым японцем атмосферу.

Орнаментальное наследие Японии многочисленно и многообразно. История искусства орнамента дает нам возможность четко проследить, как в творчестве человека соединились социальная, эстетическая и познавательная форма жизни.

Период Асука-Нара (6-8 вв.) характерен активным использованием орнаментов и узоров из соседних стран — Китая, Кореи, хотя многие из этих узоров были завезены в Восточную Азию по Великому шелковому пути из Греции, Индии и др. Существует очевидное сходство орнаментов этого периода с орнаментами других древних культур Евразии.

Одежду украшали изображения мифических животных и растений, ассоциировавшихся с силой, властью. Изображения феникса и дракона, а также диковинных птиц и рыб, по поверьям японцев, были способны отгонять злых духов. Так изображение китайского льва, царя зверей, служило оберегом.

В этот же период были заимствованы буддийские орнаменты — растения и животные Западного рая Чистой земли — черепаха, птица с веткой дерева в клюве, небесная фея-птица Калавинка, мифические цветы.

Третья группа орнаментов древности была связана с небесными светилами и природными явлениями — солнцем, луной, звездами, облаками и т.д., которые считались местом обитания божеств, что придавало им магическую силу.

В период Хэйан и Камакура (9-14 вв.) складывается японская система декора, узоры приобрели новые значения в соответствии с японскими традициями.

Появляется много орнаментов на основе китайской классической литературы, а расцвет японской поэзии и прозы также способствует созданию большого пласта подобных узоров. Благодаря изобретению азбуки-кана появляется каллиграфический орнамент, в котором буквы вплетались в декор так, что их было сложно отыскать в общей композиции. Этот вид дизайна получил название ‘асидэ’ и стал типичным для того времени. ‘Японизация’ орнамента проявилась также в широком изображении предметов, животных и растений, окружающих человека — цветущих вишен, хризантем, кленов, воробьев, оленей, хижин, оград и т.д. В это же время складывается аристократический орнамент, известный под общим названием ‘ю:соку-монъё’. Это были именные узоры, которые стали прообразом гербовых изображений.

Периоды Муромати и Момояма (15-16 вв.) ознаменовался повсеместным распространением учения секты Дзэн, а вместе с ним искусств чайной церемонии и аранжировки цветов. В качестве мотивов орнамента стали использовать ритуальные буддийские предметы. Князья-военные имели свои ценности и эстетические воззрения, что ярко выразилось в формировании новой бытовой культуры. В это время появилось выражение ‘Эпоха важнее образца’ (рэй ёри дзидай), что свидетельствовало о стремлении заменить заимствованные в древности китайские модели на новые, соответствующие новым веяниям времени. В качестве узоров стали изображать предметы, которые ранее находились вне рамок эстетики. Благодаря развитию товарно-денежных отношений совершенствовалось ремесло, и многие ремесленные товары стали использовать в качестве мотива декора предметов и одежды. Во второй половине 16 в. Япония познакомилась с европейской культурой, что оказало сильное влияние на орнаментику и декоративно-прикладное искусство в целом. Орнамент этого времени чаще наносился тушью. В эти периоды роспись тушью была популярна на ширмах, веерах и прочих предметах интерьера. Следует опомянуть извенстную группу художников – Ноами, Гэйами, Соами принадлежавших к школе — Чистой Земли.

В 17 в. наступает период многообразия узоров и орнаментов. Эпоха закрытия страны, мирное развитие внутренней экономики, повышение благосостояния городского населения благотворно сказалось на развитии традиционной культуры. Традиционные ремесла регионов получили распространение по всей стране, и благодаря их развитию стало возможным создание новых, более утонченных и сложных орнаментыов. Резервированная роспись ‘юдзэн’ (роспись по ткани, батик) позволила изображать на одежде сложные пейзажи. В этот период типичными становятся изображения бытовой жизни людей, жанровых сцен. Благодаря распространению грамоты в народе новое прочтение получили классические произведения поэзии и прозы, что соответственно обусловило новую интерпретацию орнаментов на литературные темы.

В эпоху Эдо (17-18 вв.) появились печатные каталоги орнаментов кимоно — хинагата-бон, которые заменили традиционные книги заказов, где каждый заказ подробно описывался со слов заказчика. Книги хинагата и цветная гравюра стали первыми журналами мод в Японии, на основе которых горожане делали заказы на изготовление одежды.

После открытия Японии в 1855 году для внешнего мира японские товары и произведения искусства в большом количестве завозятся в Европу и быстро находят в ней ценителей. На Всемирных выставках в Лондоне и Париже демонстрируются японская цветная гравюра и различные изделия декоративно прикладного искусства (фарфор, кимоно, ширмы, лаковые изделия и пр.).

Японское искусство изумило запад, оказало огромное влияние на искусство многих европейских художников, способствовало зарождению стиля «модернизм”.

(нету про развитие костюма) К произведениям японского декоративно-прикладного искусства традиционно относят лаковые, фарфоровые и керамические изделия, резьбу по дереву, кости и металлу, художественно украшенные ткани и одежду, произведения оружейного искусства и т. д. Специфика произведений декоративно-прикладного искусства состоит в следующем: они имеют, как правило, сугубо практическое, утилитарное применение, но при этом играют еще и чисто эстетическую роль, служа украшением повседневной жизни человека. Эстетика окружающих предметов для японцев была важна не менее, чем их практическое назначение: любование красотой. Более того, для традиционного сознания японцев свойственно особое отношение к красоте как одной из загадок мироздания. Красота для японцев - это явление, выходящее за пределы нашего обыденного мира, который можно описать словами и понять рассудком. Современная западная культура чем дальше, тем больше пытается свести человеческую жизнь к рамкам рассудочного, бытового мировосприятия, где господствуют законы так называемого «здравого смысла». Для японцев же, несмотря на их крайнюю практичность и прагматичность в делах житейских, обыденный, материальный мир, безусловно, воспринимался как иллюзорный и преходящий. И что за его гранью находится другой, непроявленный мир, который принципиально не поддается меркам «здравого смысла» и который нельзя описать словами. Там обитают высшие существа, с ним связана загадка жизни и смерти, а также многие тайны бытия, в том числе и принципы красоты. Тот мир отражается в нашем, как луна в водной глади, отзываясь в душах людей острым и щемящим ощущением прекрасного и загадочного. Тех, кто не способен увидеть и по достоинству оценить эту тонкую и многогранную игру смыслов и оттенков красоты, японцы считают безнадежными, грубыми варварами.

Для того чтобы утвердиться в своей сопричастности трансцендентному миру, японцы (прежде всего - элита, аристократия) придавали огромное значение ритуальным действиям, и особенно их эстетической стороне. Отсюда происходят церемонии любования цветом сакуры, алыми кленами, первым снегом, восходами и закатами, а также поэтические состязания, аранжировка цветов (икебана), театральные постановки и т. д. Даже таким простым житейским ситуациям, как питие чая или сакэ, встреча гостей или вступление в интимную близость, японцы придавали значение мистического действа. Предметы быта при этом попутно играли роль ритуальных атрибутов. Мастера, создававшие такие предметы, стремились придать им безупречный эстетический облик. Например, многие чаши для чайной церемонии, на первый взгляд, грубые и неровные, ценились необычайно высоко прежде всего за то, что несли на себе печать «потусторонней» красоты, они словно вмещали в себя целую Вселенную.

Это же в полной мере относится и ко многим другим произведениям декоративно-прикладного искусства: фигуркам, - нэцкэ, коробочкам - инро, лаковым изделиям, изящным косодэ (кимоно с коротким рукавом) с изысканным и прихотливым декором, ширмам, веерам, фонарям и, особенно, традиционному японскому оружию. Практическое воплощение традиционных эстетических принципов в японском декоративно-прикладном искусстве мы рассмотрим на примере японских художественных мечей.

С глубокой древности известны в Японии лаковые изделия, их остатки находят в археологических памятниках эпохи Дзёмон. В условиях жаркого и влажного климата лаковые покрытия защищали деревянные, кожаные и даже металлические изделия от разрушения. Лаковые изделия в Японии нашли самое широкое применение: посуда, домашняя утварь, оружие, доспехи и т. д. Лаковые изделия служили также украшением интерьеров, особенно в домах знати. Традиционные японские лаки - красный и черный, а также золотистый; к концу периода Эдо началось производство желтого, зеленого, коричневого лака. К началу XX в. был получен лак белого, голубого и фиолетового цвета. Лак наносится на деревянную основу очень толстым слоем - до 30-40 слоев, затем полируется до зеркального блеска. Существует много декоративных техник, связанных с использованием лака: маки-э - использование золотой и серебряной пудры; уруси-э - лаковая живопись; хёмон - сочетание; лаковой живописи с золотой, серебряной и перламутровой инкрустацией. Японские художественные лаковые изделия высоко ценятся не только в Японии, но и на Западе, их производство процветает и по сей день.

Особое пристрастие испытывают японцы к керамическим изделиям. Наиболее ранние из них известны по археологическим раскопкам и относятся к периоду Дзёмон. На развитие японской керамики и, позже, фарфора значительное влияние оказали китайские и корейские технологии, в частности, обжига и цветного глазурного покрытия. Отличительная черта японской керамики - мастер внимание уделял не только форме, декоративному орнаменту и цвету изделия, но и тем тактильным ощущениям, которые оно вызывало при соприкосновении с ладонью человека. В отличие от западного японский подход к керамике предполагал неровность формы, шероховатость поверхности, разбегающиеся трещинки, потеки глазури, отпечатки пальцев мастера и демонстрацию природной фактуры материала. К художественным керамическим изделиям относятся, прежде всего, чаши для чайных церемоний, чайники, вазы, горшки, декоративные блюда, сосуды для сакэ и т. д. Фарфоровые изделия представляют собой, в основном, тонкостенные вазы с изысканным декором, чайные и винные сервизы и разнообразные статуэтки. Значительная часть японского фарфора специально изготовлялась на экспорт в страны Запада.

В отдельности про каждое:

КЕРАМИКА
Древнейшая керамика Японии
Японцы издавна пытали сильную любовь к якимоно.* Из обжиговых печей выходило множество керамических изделий, различающихся по цвету, форме и текстуре поверхности. Своеобразная культура повседневности, созданная японцами, начинается с керамической столовой посуды - мисок для риса, кружек без ручек и подставок под палочки для еды. Эти страницы дают нам представление об увлечении японцев керамикой и фарфором.
* По-японски керамика (“токи”) и фарфор (“дзики”) известны под собирательным термином “якимоно”.

История развития японской керамики
Первые гончарные изделия были изготовлены на японском архипелаге около 13 000 лет тому назад. Насколько известно, это произошло раньше, чем где-либо в мире. Наиболее известны большие, глубокие горшки для кипячения жидкости. Изделия украшались орнаментом из накатки или оттиска плетёной верёвки. За эти верёвочные декоры гончарные изделия тех времён получили название “дзёмон доки” (“дзё” = верёвка; “мон” = орнамент, “доки” = гончарные изделия). Около 5000 лет назад, в эпоху Дзёмон, появились динамичные по форме модели с орнаментом в виде вздымающейся волны на горлышке кувшинов и причудливыми узорами, покрывающими всю внешнюю поверхность изделий.
В течение последующей эпохи Яёй с началом культивации риса появились и новые типы керамических изделий, ввозимые с Корейского полуострова. Посуда Яёй была частью повседневной жизни и использовалась для хранения и приготовления пищи, а также для подачи блюд к столу. Она была менее декорирована, чем посуда Дзёмон, а в её оформлении использовались в основном светлые тона.
Примерно в начале 5 в. произошли основные изменения, связанные с приходом в Японию, вновь с Корейского полуострова, новых технологий. Прежде глиняные изделия обжигались на кострах, новый же тип керамики, Cуэки, стали подвергать высокотемпературной обработке в особых туннельных печах, устроенных в склонах холмов. Изделия Суэки представляли собой уже настоящую керамику.
Примерно с середины 7 в. японские гончары начали изучать корейские и китайские технологии. От своих соседей они научились пользоваться глазурью и обжигать глину при относительно низких температурах. Изделия тех времён покрывались глазурью тёмно-зелёного тона или, подобно керамике нара сансай, полихромной глазурью, в которой преобладали красный, жёлтый и зелёный цвета. Однако и тот и другой вид керамики пользовался популярностью только у членов императорского двора, придворной знати и служителей храмов, и начиная с 11 в. эти изделия больше не производились.
Новые достижения, сопутствующие созданию изделий Суэки, дали толчок к началу строительства обжиговых печей по всей стране. Гончары заметили, что древесный пепел в раскалённой обжиговой печи взаимодействует с глиной, образуя естественную глазурь. Это подсказало им технологию посыпания гончарных изделий пеплом в процессе их обжига. Метод получения естественной пепельной глазури был впервые применен в печах Санагэ в провинции Овари (теперь это северо-западная часть префектуры Аити).
Производство керамики Суэки в средние века стимулировало развитие новых технологиий. Шесть исторических центров гончарного производства Японии-Сэто, Токонамэ, Этидзэн, Сигараки, Тамба и Бидзэн-были основаны именно в то время. Их обжиговые печи работают и по сей день. Почти на всех из них производится фаянсовая посуда, внешне похожая на керамическую-преимущественно большие кувшины, вазы и горшки.
Глазурованные предметы роскоши производились только в Сэто, расположенном возле старинных обжиговых печей Санагэ. Гончары Сэто старались удовлетворить запросы аристократов и самураев, которые проявляли большой интерес к керамическим и фарфоровым изделиям в китайском стиле Сун. В их отделку были включены новые цвета. Характерной ообеностью этой посуды стало использлвание жёлтого цвета с оттенками красного, коричневого или зелёного. Гончары черпали вдохновение в образцах, привезенных с континента. При этом идеалы стиля Сун они приводили в соответствие со вкусами японцев, с их представлениями о новых формах и украшении домашней утвари. Примерно до конца 16 в. Сэто был единственным центром в Японии, который производил глазурованную керамику.

В эпоху междоусобных войн (1467-1568 гг.), охвативших всю страну, гончары Сэто ушли на север, за горы, в Мино (сегодня это южная часть префектуры Гифу). Здесь было положено начало новым стилям, характерным именно для Японии. Лучше всего они представлены изделиями Кисэто, Сэто-гуро, Сино и Орибэ.
Именно в это время зародилась чайная церемония. Обычай чаепития пришёл из Китая в конце 12 в., но лишь в 16-м столетии при приёме гостей стало модным уделять особое внимание церемонии подачи чая.
Оттенки жёлтого, белого, чёрного, зелёного и других цветов керамики Мино указывают на влияние китайской и корейской керамики, однако несимметричная форма и абстрактные узоры свидетельствуют о её самобытном японском характере. Для становящейся все более и более популярной чайной церемонии требовались изысканные чашки, тарелки, блюда, коробки для фимиама, цветочные вазы и подсвечники. Мастерские Мино живо откликались на эти требования.
С наступлением эпохи Момояма (конец 16 в.) пришёл конец междоусобным войнам, завершившимся объединением Японии, и чайная церемония получила дальнейшее развитие. В это время претерпевает изменения японское гончарное производство. Тоётоми Хидэёси начал военную кампанию на корейском полуострове, что открыло возможности самураям, поклонникам чайной церемонии, привозить корейских гончаров в Японию и привлекать их к строительству обжиговых печей. Много новых производственных центров было создано в разных частях Кюсю, включая Карацу, Агано, Такатори, Сацума, Хаги. Производство изделий Карацу было самым разнообразным и масштабным - чаши для чая, цветочные вазы и многие предметы домашнего обихода поставлялись оттуда во все уголки страны.
Фарфор появился в Японии только в начале 17 в., когда корейские гончары начали здесь его изготовление. Это стало важной вехой в развитии японского гончарного производства. Вскоре после этого были открыты залежи фарфоровой глины, теперь известной как каолин, в Идзумияме, Арита, на Кюсю. Она оказалась идеальной для производства тонкостенных, лёгких и прочных изделий. Благодаря яркой синей росписи, наносимой на белый фон, они стали предметом ажиотажного спроса по всей Японии. А поскольку изделия поставлялись из близлежащего порта Имари, они стали известны как фарфор Имари. На начальном этапе существования производства Имари очевидным было влияние на него корейского фарфора, однако вскоре из Китая было ввезено большое количество фарфоровых изделий, которые также стали объектом изучения для японских ремесленников. Постепенно качество домашней керамической утвари значительно улучшилось. Мастеровой по имени Сакайда Какиэмон изобрёл способ нанесения на поверхность изделия мягких оранжево-красных оттенков, что позволило создавать изумительные цветные рисунки на молочно-белом фоне.
Европейские королевские дворы и знать, очарованные красотой восточного искусства, наперебой расхватывали фарфоровые изделия Имари. Вскоре ремесленники в Мейсене (Германия), Дельфте (Нидерланды) и других европейских центрах начали копировать изделия Имари, включая стиль Какиэмон. Это был золотой век японской керамики.
Нономура Нинсэй, живший в 17 в. в Киото, императорском городе, создал свой собственный стиль-королевский, открывающий целый мир красочной фантазии. Огата Кэндзан, Окуда Эйсэн и Аоки Мокубэй обогатили этот утончённый мир керамики Кё, создав основу для развития современного стиля Кёмидзу.

В 19 в. керамическое производство развивалось стремительными темпами по всей стране. Стили госю-акаэ (красная глазурь) и сёндзуй, разработанные на основе поздних образцов китайского стиля Мин, приобрели в это время огромную популярность, о чём свидетельствует и современная японская столовая посуда.
Керамика, изготовленная в Японии, представлялась на международных выставках в Париже в конце 19-го столетия, в результате чего изделия Имари, Сацума и Кутани оказывали влияние на манеру европейских ремесленников. Интерес к японским изделиям отразился на эволюции современного искусства.
История японской керамики немыслима без корейского и китайского влияния. Однако очевидно и то, что, откликаясь на художественные вкусы и образ жизни японцев, это ремесло пошло своим собственым путем и привело к созданию уникального искусства и целой отрасли промышленности.

Необыкновенное разнообразие керамических изделий в Японии
Во всем мире японская керамика считается непревзойденной по количеству и разнообразию существующих технологий и стилей. Современная столовая посуда- керамическая или фарфоровая- выпускается в Японии в широком ассортименте форм и декоративных решений.
Японские гончарные изделия можно разделить на три группы: (1) глиняная посуда с уникальной текстурой, напоминающей на ощупь грунт, лучше всего она представлена изделиями Бидзэн, Сигараки, Этидзэн и Токонамэ; (2) керамика с массивной глазурью и тёплым, землистым оттенком, которая получила известность благодаря изделиям Орибэ и Мино для чайной церемонии, простым изделиям Масико, а также изделиям Карацу и Хаги, перекликающимся с керамическим искусством Корейского полуострова; и (3) фарфор, представленный посудой Имари, известной благодаря использованию в ее оформлении эффектного белого фона, а также изделиями Кутани с ослепительной раскраской по всей поверхности. Каковы бы ни были технология и конструкция обжиговой печи, гончарные изделия, созданные японскими мастерами, всегда свидетельствовали о поиске красоты, продолжающемся столетия.
Почему так велико разнообразие внутри каждой группы гончарных изделий? Для получения ответа на этот вопрос мы должны рассмотреть тесную взаимосвязь между керамикой и чайной церемонией.
Идеалы чайной церемонии, заключающиеся в простоте и покое, нашли своё самое яркое воплощение в эпоху Момояма (конец 16 в.). Выражением этих новых для того времени идеалов стало слово ваби, означающее простоту и умиротворённость. Мастера чайной церемонии, желавшие, чтобы их посуда передавала дух ваби, демонстрировали свою оригинальность и расширяли своё влияние тем, что заказывали ремесленникам чаши для чая и другие предметы, которые внешне как бы “дышали” этими идеалами.
Необыкновенная творческая энергия эпохи Момояма вдохнула новую жизнь в искусство японской керамики. Это можно видеть в изделиях Сэто-гуро с абсолютно чёрными тонами, полученными в результате выемки изделий из печи в процессе обжига; в утвари мастерской Кисэто с ее динамичным оформлением; в изделиях Орибэ с их смелыми формами и замысловатыми узорами, выполненными глазурью зелёного и железистого цвета; в строгих простых изделиях Сино.
Исполнители чайной церемонии иногда дают имена отдельным принадлежностям, которые им больше всего нравятся, скажем, чаше для чая, вазе, сосуду для воды или коробке для фимиама. Где еще в мире можно встретить подобное отношение к гончарному изделию? Не это ли свидетельство глубины увлечения японцев керамикой!

Другой причиной столь широкого разнообразия керамических изделий является тот факт, что для японской кухни требуется широкий ассортимент столовых приборов, значительно более широкий, чем для любой другой кухни в мире.
В давние времена японская знать предпочитала есть и пить, используя в основном лакированную посуду, но всё изменилось благодаря мастерам чайной церемонии. Они начали использовать керамические сервизы для подачи закусок кайсэки перед чаем и постепенно пришли к пониманию, что керамическая посуда придаёт еде более осязаемое визуальное восприятие и свежесть. Утварь для чайной церемонии подбиралась в соответствии со временем года и, подавая столовую посуду, например, тарелки муко-дзукэ для сервирования кусочков сасими, посуду для сакэ и жареной еды, хозяин удовлетворял высокие эстетические запросы гостей. Именно мастера чайной церемонии обогатили ритуал принятия пищи, внеся в него момент визуального, эстетического наслаждения.
Начиная с середины 19 в., фарфор занял важное место на обеденном столе благодаря удобству в его использовании. Сегодня столовая посуда из керамики стала нормой повседневной жизни. И только суп мисо традиционно принято пить из гладких лакированных чашек. Эти чашки не предназначены для повседневной трапезы.
Рис, составляющий основу рациона японцев, принято есть из небольшой чаши, которую держат в руке, причем во многих семьях каждый имеет свои собственные чаши для риса. Подобные застольные традиции только укрепили любовь японцев к керамической посуде.

ЛАК
короче он из смолы деревьев.

Есть, свидетельства, что лак использовался в Японии каменного века 5000 - 6000 лет назад, как клей, которым крепили наконечники стрел. Но уже приблизительно 4000 лет назад, ярко-красный и черный лаки использовались как покрытие на посуде, оружии, и украшениях. Так же известно, что спустя приблизительно 100 лет после Ямато Такеру но Микото, существовала гильдия ремеслеников, называвшаяся - "Urushi-be", специализировавшаяся в искусстве лака.

Техника декоративного лака пришла в Японию в 5 или 6 столетии, во время введения Буддизма из Китая, где задолго до объединения Японии, мастера создавали шедевры прикладного искусства из многослойного черного и красного лака.

В конце 8-го столетия, в ранний период Хейан, Япония прекратила посылать торговые миссии в Китай. Культура Японии оказалась отрезанной от континентального влияния. Именно в период Хейан, с конца 8-го до 12-го столетия, искусство лака в Японии развилось в совершенно уникальный, японский стиль. Посуда и мебель того времени были сделаны главным образом дерева. Поэтому неудивительно широкое использование лака, чтобы добавить красоту и крепость недолговечным деревянным изделиям. К этому же периоду относится техника "Маки" - золочение поверхности с последующим лакированием (так же смешивание лака с золотой или серебряной пылью). Изделия, выполненные в этой технике стали очень популярным среди высших сословий.

Культурный обмен с континентом был возобновлен в 13 веке и японские лаковые изделия получили широкое распрастронение за границей через Китай и Корею. С другой стороны, в Японию пришли новые техники декорирования, прекрасно дополнившие традиции местных мастеров.

В 17-ом столетии, искусство лака Японии стало более утонченным. С одной стороны развивались новые стили, в то время как различные традиционные техники, характерные для разных областей стали соединяться, создавая интереснейшие сочетания.

Именно такое сплавление техник произошло в Каназава, в префектуре Ишикава. Клан Кага, поощрявший развитие ремесел на своей территории, пригласил выдающихся мастеров со всей Японии, в том числе и мастеров лака. Через несколько поколений, в Каназава были созданы совершенно уникальные стили традиционных ремесел, которые до сегодняшнего дня славятся своей красотой и изяществом.

РАЗВИТИЕ КОСТЮМА

НЭЦКЕ
Нэцкэ – миниатюрная скульптура, произведение японского декоративно-прикладного искусства. Нэцкэ использовалось в качестве брелока, противовеса, на традиционной японской одежде, которая была лишена карманов и все необходимые предметы (кисет, кошелек, инро, сагемоно, различные мелочи) подвешивались на поясе при помощи веревок и закреплялись при помощи нэцки, закрепленной на противоположном конце шнура. Нецки не следует путать с окимоно – также миниатюрной японской скульптурой, похожей на нэцки и по оформлению, и по сюжетам, и нередко по размерам, но никогда не носимой на поясе. Однако отсутствие отверстий для подвеса «химотоси» в нэцкэ не является отличительной чертой, так как встречались нецки без химотоси или с искусно замаскированными внутри композиции фигуры химотоси. Традиционными материалами для изготовления нецкэ считаются слоновая кость и дерево. Также использовались металлы, золото, серебро, бронза, сякудо, перламутр, фарфор, керамика, рог оленя, рога животных, черепаховый панцирь, клыки моржа и нарвала, внутренние кости животных, различные орехи, кораллы, лаки, и пр. Существуют различные школы нецки, различающиеся по основным сюжетам, используемым материалам, техникам. Наличие подписи на нецкэ не является основным фактором, влияющим на цену и ценность предмета. Сюжеты, используемые в нецкэ очень разнообразны. Бытовые, натурные и натуралистические, исторические, легендарные, мифологические, сказочные. Практически все нецки имеют своеобразную символику и отражают какую-то идею или пожелание.

Катабори – самый известный тип нэцкэ – компактная резная скульптура, которая может изображать людей, животных, многофигурные группы. Саси – одна из наиболее старых форм нэцке. Она представляет собой удлиненный крюк с отверстием для шнура. Способ употребления саси отличается от всех других форм. Чаще всего его подвешивали за край пояса. Мандзю – нецкэ в виде толстого диска, повторяющей форму рисовой лепешки. Иногда делается из двух половинок. Рюса – вариант формы мандзю, выделенный специалистами в отдельный вид. Основное отличие этой формы в том, что она пустая внутри, и выполнена в технике сквозной резьбы. Кагамибута – также сходна с мандзю, но выполнена в форме традиционного священного зеркала, нижняя часть нецке, выполненная из слоновой или другой кости, рога, дерева или других материалов, сверху покрыта металлической крышкой или пластинкой, на которой и сосредоточена основная часть декоративного оформления.

Со времени своего возникновения, нецки превратились в предмет коллекционирования сначала в Японии, где можно было обменять, подарить, продать, заказать, купить нэцкэ, а с девятнадцатого века, это увлечение распространилось и на Европу и Америку, где коллекционирование нэцкэ достигло своего пика. Рынок нецкэ очень живой и постоянно обновляющийся, сейчас у коллекционеров всего мира есть возможность купить нэцкэ как в частных коллекциях, так и найти предметы из коллекций крупных музеев. Покупка и продажа нэцкэ в таком случае происходит через уважаемых дилеров антиквариата и/или аукционные дома. Теперь не только в Японии но и во всём мире стало очень популярным купить нэцкэ для подарка с символическим значением, пожеланием или скрытым смыслом. Стоит отметить, что в русском языке довольно часто встречаются такие написания слова нэцкэ как нецке, а также нэцке, или нецкэ, а иногда даже нецки или нэцки. В отличие от канонического «нэцкэ», прочие написания возможны, но не желательны.

НАПРАВО КИМОНО ЗАПАХИВАЕТСЯ БЛЕАТЬ

Кимоно́ (яп. 着物, кимоно, «одежда»; яп. 和服, вафуку, «национальная одежда») - традиционная одежда в Японии. С середины XIX века считается японским «национальным костюмом». Также кимоно является рабочей одеждой гейш и майко (будущая гейша).
Фурисодэ (яп. 振袖, дословно «развевающиеся рукава») - традиционный японский наряд незамужних девушек и невест, кимоно с длинными рукавами.
Томэсодэ (яп. 留袖?, закреплённый рукав) - тип кимоно для замужних женщин. Отличается от фурисодэ укороченным рукавом, рисунок идёт только по подолу ниже оби, не затрагивая рукава; на томэсодэ обязательно должны присутствовать гербы.
Оби (яп. 帯?, букв. «пояс») - несколько различных типов японских поясов, носимых как мужчинами, так и женщинами поверх кимоно и кэйкоги.
Гэта (яп. 下駄?) - японские деревянные сандалии в форме скамеечки, одинаковые для обеих ног (сверху имеют вид прямоугольников со скруглёнными вершинами и, возможно, немного выпуклыми сторонами). Придерживаются на ногах ремешками, проходящими между большим и вторым пальцами. В настоящее время их носят во время отдыха или в ненастную погоду. По меркам европейцев это очень неудобная обувь, но японцы пользовались ею не один век, и она не причиняла им неудобств.
Варэсинобу (яп. 割れしのぶ?, разрезанная тайно) - женская японская причёска, популярная сегодня среди учениц гейш.
Сакко (яп. 先笄 сакко или сакико:гай?, последняя шпилька) - женская причёска, популярная среди замужних женщин купеческого сословия в районе Камигата (окрестности Киото) во вторую половину периода Эдо. Появилась в окрестностях города Окадзаки (префектура Айти). В Канто была более популярна причёска марумагэ, а сакко получила признание только после революции Мэйдзи.
Сегодня сакко - последняя причёска майко перед эрикаэ, церемонией перехода в гейши.
Симада (яп. 島田?) - японская женская причёска, разновидность пучка. Сегодня симаду носят почти исключительно гейши и таю (разновидность ойран), но в период Эдо её носили девочки 15-20 лет, до замужества. Как и другие причёски, украшается кандзаси.
Кандзаси (яп. 簪?, встречается также написание 髪挿し) - японские традиционные женские украшения для волос. Кандзаси носят с кимоно.

Похожие статьи

Философия, ее предмет и роль в жизни человека и общества

Известные украинские писатели и поэты

Развлечения Средневековья

Твои друзья тянут тебя на ДНО